IL NASTRO BIANCO

                                   

Regia:Michael Haneke Sceneggiatura: Michael Haneke Cast: Susanne Lothar, Ulrich Tukur, Burghart Klaußner, Joseph Bierbichler Fotografia: Christian Berger Montaggio: Monika Willi Produzione: X-Filme Creative Pool, Les Films du Losange, Wega Film  Distribuzione: Lucky Red Paese: Austria, Germania, Francia 2009 Uscita Cinema: 30/10/2009 Genere: Drammatico Durata: 145 Min Formato: B/N

Un villaggio protestante della Germania del Nord. 1913/1914. Alla vigilia della prima guerra mondiale. La storia dei bambini e degli adolescenti di un coro diretto dal maestro del villaggio, le loro famiglie: il barone, l’intendente, il pastore, il medico, la levatrice, i contadini. Si verificano strani avvenimenti che prendono un poco alla volta l’aspetto di un rituale punitivo. Cosa si nasconde dietro tutto ciò?

Haneke è noto per il suo perfezionismo, al limite del maniacale, nel cesellare opere cinematografiche di grande spessore e profondità, ma sempre improntate ad una ricerca che potremmo definire psicosociale (se non antropologico-filosofica) sulle origini del MALE, visto come categoria kantianamente intrinseca all’UMANO. Anche in questo “Il nastro bianco” il regista austriaco non si smentisce, nella creazione di un prodotto gelido, fotografato in un bianco e nero che sa di mortifero e al contempo di reale. Il “Reale” inteso in senso strettamente lacaniano però, cioè il contrario simmetrico dell’ “Immaginario”. Non siamo infatti di fronte a cinema d’intrattenimento. Siamo lontani mille miglia dall’esperimento dei fratelli Lumiere del 1898. Siamo nella realtà cruda della ricostruzione storica ai confini col documentaristico, che ci spiega qual è la “preistoria del Nazismo”. “Il nastro Bianco” appare fin dalle prime sequenze come un film espiatorio, una autoriflessione senza sconti da parte di un “pronipote”, circa le atrocità commesse dai suoi avi, colpe imperdonabili che il pronipote stesso si sente comunque ancora gravare sulle sue fragili spalle. Si tratta perciò di un film che commuove e fa soffrire innanzitutto attraverso l’uso di uno script dall’architettura perfetta, quasi neoclassica potremmo dire, la cui estetica tuttavia veicola un messaggio drammaticamente pessimista. Il MALE è nell’uomo, costituisce la materia prima del suo tessuto vitale, del suo stesso DNA. Come vogliamo chiamarlo:”istinto di morte” (Melanie Klein)?; “pulsione di morte” (S.Freud)? “Distruttività umana” (E. Fromm)? Fa lo stesso. L’assenza di speranza è in questo senso forse l’unica obiezione che può essere mossa ad un regista cui non ha mai fatto difetto la coerenza nell’approfondire questo difficile tema. Non possiamo infatti dimenticarci per esempio il suo “Funny Games” (1997, e 2007 nel remake statunitense dello stesso regista), oppure “Niente da nascondere” (2005), nei quali vengono trattati rispettivamente il tema della banalità del male e della morbosità ambigua e distruttiva della colpa. Ne “Il nastro bianco” è il TRAUMA ad essere indagato, l’essere-abusante dell’uomo sul più debole, sul bambino in particolare, e come si vede siamo sempre di fronte allo stesso tema, seppur declinato secondo altro versante ermeneutico. Dal punto di vista di chi scrive viene da chiedersi tuttavia se sia proprio vero che la SPERANZA non costituisca anch’essa una “categoria kantiana dell’Essere”, inscritta, così come il MALE, nel DNA dell’essere umano. Una Speranza come competenza psicobiologia della specie umana, tale da permettere di cogliere nell’Altro l’Individuo che è in noi. Domanda che mi piacerebbe porre ad Haneke, davanti a un bicchiere di buon vino rosso, in una sera d’inverno, guardando insieme il freddo e scuro orizzonte  del Mare del Nord.

Il film ha vinto quest’anno (meritatamente) la Palma d’Oro al Festival del Cinema di Cannes.

                                               2012

                          

Secoli fa, i maya ci hanno lasciato il loro calendario con una chiara data di conclusione e tutto quello che implica questa scelta. Da allora, gli astrologi hanno analizzato questa profezia, i numerologi hanno trovato dei modelli che la annunciano, i geologi sostengono che è un evento atteso sulla Terra e anche gli scienziati governativi non possono negare il cataclisma di proporzioni cosmiche che attende il nostro pianeta nel 2012. Una profezia nata con i maya e che ora è stata ben delineata, discussa, messa in evidenza ed esaminata. Arrivati al 2012, non potremo negare di essere stati avvertiti.

La retorica familistica di cui è soffuso tutto il film, è come un gas tossico che infiltra la pellicola dall’inizio alla fine, mettendo in ombra anche quelle poche cose interessanti che lo rendono visionabile. Una di queste “poche cose” sono gli effetti speciali, assolutamente spettacolari e da vedere su uno schermo il più grande che trovate, nonché possibilmente in formato digitale 2K. Gli amanti del genere catastrofico andranno infatti  in solluchero nel vedere come Emmerich deciderà di distruggere il mondo intero, senza andare per il sottile, evocando terremoti di magnitudo 9 e 10 Richter con aggiunta di tsunami multipli con onde alte 1520 metri. L’Everest sarà praticamente sommerso, e la scena del monaco tibetano che suona la campana del tempio prima di essere travolto dall’onda immane, è suggestiva. Emmerich infatti sembra muoversi entro uno script in cui egli stesso è presente come Dio biblico rabbioso e vendicativo, che rade al suolo la città di Pasadena in pochi secondi e inghiotte in un baratro Las Vegas. Un 10 e lode al reparto fiction, quindi. Ma appunto il gas tossico familistico-obamiano, cioè una retorica dei buoni sentimenti pacifistico-ambientalistici molto democratic style, affossa tutto il lavoro messo in piedi dalla squadra del nostro Roland, generando a tratti imbarazzo (credo) anche negli amanti più sfegatati del genere. Non manca sequenza in cui il tema dell’unità della famiglia non ci venga urlato addosso con modalità tra lo zuccheroso e il moralisticheggiante, e a un terzo del film tale messaggio annoia. Un film piuttosto deludente quindi, soprattutto dopo performance come “The Day After Tomorrow”, dove l’ambientalismo era un tema trattato con fervore decisamente meno biblico. Chiederei a Emmerich se c’era proprio bisogno che in “2012” usasse toni da predicatore, rasentando in alcuni punti anche il comico involontario. Da vedere comunque per essere aggiornati sui prodigi della tecnica effettistica, che ogni tanto serve a intrattenerci, a farci divertire, in una parola a liberare la mente.

                        

Genere:

La giovane e timida Angie Albright è una ragazza educata secondo le regole della religione cattolica, che inizia gli studi al college e abbandona la tranquillità famigliare per trasferirsi nella lontana cittadina dove ha sede l’Istituto. Il primo impatto con la scuola non è dei migliori, la compagna di camera è una tossica decisamente poco ospitale, e  nel suo appartamento non c’è nemmeno un letto per dormire. Nel frattempo Angie comincia ad avere la sensazione di essere oggetto di “stalking” da parte di un individuo minaccioso che la pedina. Angie accetta un lavoro come babysitter presso i coniugi Stanton, una giovane coppia che vive in una fattoria isolata e necessita di qualcuno che tenga d’occhio il figlioletto Sam. Il bambino è taciturno e indossa perennemente un cappello da cowboy. Durante il suo primo giorno di lavoro presso la fattoria degli Stanton, Angie inizia a ricevere strane telefonate. Il minaccioso individuo responsabile dello “stalking”, armato di un lungo coltello, tenta di introdursi nel casolare: Angie deve così arrangiarsi nel tentativo disperato di salvare la sua vita e quella del piccolo Sam.

Rob Zombie, in questo film,  cucina in un denso, indistinto brodo di bollitura  i seguenti ingredienti: script, psicologie, caretterizzazione dei singoli personaggi, mitopoiesi originaria della saga di “Halloween”di John Carpenter, mito della festa di Halloween. E mescola il tutto in un unico brodo, che poi è il brodo primordiale, archetipico, del white-american way-of life, ma quello più viscido, provinciale, trash, fucking-talking, borderline, periferico, povero, degradato, pessimisticamente cormackmccartiano. Il risultato, quindi, non è un “buon bollito horror”, naturalmente: l’inconfondibile sapore dell’angoscia carpenter oriented si confonde con quello ispido e puntuto dello slasher più triviale e obsoleto, quello specifico del “trick’r treat”, con quello grasso del teen-horror-movie alla Michael Bay. Per cui non capisci più cosa stai mangiando. Tremendo. Assolutamente tremendo. I sapori, nel bollito, vanno separati all’origine, in modo tale che siano poi le nostre papille a fare una sintesi sul palato. Zombie la vuol far lui per noi, la sintesi, a priori (e chi glielo ha chiesto?), frullando tutto in un gran calderone. Frulla Michael Myers, sua sorella, il dottor Loomis, una spruzzatina di David Lynch, un leggero sentore felliniano-circense, l’underground-rock-band-culture, una strizzatina d’occhio (forse la più volgare di tutto il film) a “Psycho”, nell’oltremodo orrido finale: e ovviamente tutti questi distinti sapori si disperdono velocemente finendo tutti nel trita-spazzatura del lavabo (altro grande topos della grigia quotidianità white-american, molto cara al regista). In questo ha perfettamente ragione Elvezio Sciallis quando dice nella sua recensione che Rob Zombie vuole scimmiottare Ken Loach senza esserne capace. E perché poi lo fa? Il cinema di Loach genera distinzioni, fotografa in modo limpido una classe sociale, e così i suoi personaggi, facendoli diventare metafora viva. Quello di Zombie è invece un film indifferenziante. Un film per cui, come dice il proverbio, “di notte tutte le vacche sono bigie”, tutti i personaggi sono uguali; se avessi potuto dargli un sottotitolo lo avrei infatti intitolato così: “Halloween II- ovvero l’Indifferenziato”. La distinzione tra ispirazioni, personaggi, sogno, realtà, buoni, cattivi, scompare immediatamente, fuso e confuso come in un’acqua-madre primigenia, in un brodo di bollitura denso in cui affoga tutto, come nelle fauci-mente di una madre psicotica. Infatti il vero “nuovo personaggio” è appunto la madre, che è la vera assassina, perché è trapassata nell’inconscio di Laurie e lo ha soggiogato al suo volere, appunto psicoticamente. Questa mi sembra l’unica intuizione “psicoanalitica” interessante di tutto il film, che per il resto di “psicoanalitico” non ha niente (a parte il tema del cavallo, che ricorda forse “Il piccolo Hans”, ma è solo una mia personale associazione, che non credo Zombie condivida), Intuizione interessante, quella della madre-ispiratrice-di-violenza, che dà un’imprintig traumatico all’inconscio della figlia, facendola rinascere belva, da bambina quale era, idea che però si disperde anch’essa nel gorgo del piattume sociale rappresentato da Zombie. Un’idea molto interessante che Rob sembra aver ben chiara fin dalla citazione iniziale che accosta sogno e psicosi (citazione peraltro anch’essa molto vaga e confusa), e cui sembra tenere molto, intrecciandola col tema del sogno, su cui però Zombie getta anche in questo caso, e subito secchiate di fanghiglia putrida, di cascame socio-antropico cui non frega niente a nessuno, non elaborando affatto né sviluppando per niente il bellissimo tema del SOGNO (o dell’INCUBO).

Non si fa così.

IL SOGNO E’ UNA COSA SERIA. Così come il suo contrario simmetrico, cioè appunto la PSICOSI. Caro Zombie, non puoi pretendere di trattare temi così alti, importanti per il cinema horror , buttandoli in faccia allo spettatore, mescolati insieme in un condensato audio-visivo dove sono soffocati da tutto un urlare, tutto un gridare, tutto un suono di clacson gracchiante, tutto un tramestio isterico nel quale l’importanza di questi temi si confonde e liquefa inesorabilmente. Come inesorabilmente si perde il personaggio-mito di Micheal Myers (anche qui concordo con Sciallis). Per quanto mi riguarda Zombie poteva infatti scegliere qualsiasi altro villain, tanto faceva lo stesso. Temi come IL SOGNO o LA PSICOSI, andavano trattati con ben altra mano, con bel altro stile elaborativo-filmico, con altri tipi di bollitura (separata) degli ingredienti. Sono tematiche horror troppo importanti per essere maltrattate, fritte, stracotte nelle pentole sudice di un qualsiasi McDonald on the road (manco Zombie fosse Kerouac , poi). Film da EVITARE accuratamente.

    DIALOGHI PSICOANALITICI CON ALESSANDRO.

                  

Papà è al telefono, mentre Alessandro corre tutt'intorno cantando canzonicine per bambini.

- Mamma:"...Ale, non cantare troppo forte, che papà è al telefono con un paziente...".

- Alessandro (guardando la mamma, pensieroso):"...e che paziente è, Berlusconi?".